domingo, 4 de mayo de 2014

A Eva Girbes

A Eva Girbes. Muchas veces se ha hablado de la doble función de algunas joyas, como objetos vinculados al cuerpo, a la persona, compartiendo complicidades entre el autor y el portador, y a la vez como objetos que reclaman una autonomía propia, como signos independientes que se expresan sobre una superficie plana o en un muro, como pequeñas esculturas. Son joyas “excorporales”, “excéntricas”, no tienen como centro solamente el cuerpo. Puede que las joyas de Eva Girbes pertenezcan a esta categoría de joyas extra- corporales. Sí, tienen cierres para ser usadas como broches, o colgantes, pero también pueden verse como una panoplia de herramientas, ordenadas y dispuestas como constelaciones en el taller de un artesano. Y puede que no sea casual que la experiencia personal de Eva, de ser hija de padres artesanos, artesanos del libro, de haber convivido con la visión de sus manos hábiles y expertas cortar, doblar, coser, pegar, gofrar y dorar con las herramientas propias del encuadernador artesano, hace que ahora estas herramientas familiares aparezcan en su trabajo creativo transfiguradas en símbolo. Herramientas convertidas en objetos de una mitología personal, y que nos invitan a pensar. Herramientas pequeñas, de mano, como las del encuadernador, que nos sugieren la aplicación de una fuerza controlada, capaces de hacer cualquier cosa, llenas de potencialidades, que nos estimulan a descubrir su uso, o a intuir o inventar nuevos usos a través de una poética del instrumento. La joya ha servido para amplificar la identidad del portador, quizás las joyas de Eva sean herramientas de mano para la re-composición de las identidades fragmentarias del hombre contemporáneo. Hecho por las manos, hecho para las manos, la mano es participación, creo que este es el mensaje de sus joyas-herramientas. Más allá de un juego formal entre el vacio y la masa, entre el positivo y el negativo, Eva Girbes nos propone una celebración del valor del tacto, del contacto de la mano con el mundo físico, de la interpelación a la materia a través de la mano. Ramon Puig Cuyàs. 3/02/1014

martes, 22 de marzo de 2011

Ramón Puig Cuyàs: la visión contemporánea
de la joyería Las joyas de Ramón Puig Cuyàs sorprenden por la combinación de elementos figurativos con una exquisita sensibilidad por las características
físicas de los materiales, de los colores y de las formas.
Producen un tipo de fascinación que en algunos momentos puede evocar los paisajes oníricos de Max Ernst o las delicadas composiciones de Paul Klee. Ramón Puig Cuyàs es uno de los protagonistas fundamentales de la transformación espectacular que ha sufrido este arte en los últimos tiempos tanto en la construcción
de las joyas como en la pedagogía. Nos encontramos con él en la Escola Massana de Barcelona, de la que fue alumno y donde es profesor desde los años setenta.Antonio Ontañón: ¿Cómo se desarrolló tu interés por la joyería? Ramón Puig: Yo vine a la Massana para convertirme en artista, orientado en un principio hacia la pintura, pero al conocer las posibilidades
de la joyería por la influencia del profesor Manel Capdevila
decidí seguir ese camino. Se puede decir que el fue el fundador de la sección de joyería y aunque estuvo poco tiempo, dejó una estela muy marcada que yo seguí. Manel Capdevila fue uno de los pioneros de la joyería contemporánea. En la época de la posguerra hizo un tipo de joyas para la burguesía pero para la parte de la burguesía que había perdido la guerra civil. Utilizaba materiales sencillos y naturales como los pequeños cantos rodados
de los ríos, por ejemplo, que contrastaban con las joyas de los “ganadores” de la guerra civil: joyas clásicas y ampulosas de oro y piedras preciosas hechas para representar un estatus social. (Las joyerías de Paseo de Gracia) Además, Manel Capdevila fue el primero en contactar con la escuela de Pfzorheim en Alemania, que se había convertido en un centro de irradiación hacia toda Europa en la renovación en la joyería y organizó aquí, en la Capella (calle Hospital) una exposición de sus trabajos. Manel Capdevila supo plasmar en las joyas su experiencia estética como pintor. Si hubiera sido alemán se habría convertido en una de las referencias
internacionales, pero aquí no había ninguna plataforma de difusión, más allá de su propio taller. Cuando yo empecé a finales de los sesenta también había otro grupo cuyo trabajo se denominaba
“joyería de diseño” formado entre otros por Sergi Aguilar, Ana Font, Ramón Oriol, Montserrat Guardiola, Joaquim Capdevila y Juli Guasch. Aunque al incorporarme yo se estaba diluyendo su voluntad de incidir en la sociedad. También tengo que reconocer la importancia de las joyas de Manolo Hugué, el noucentista, que aunque estaban hechas mucho antes, en aquel momento tuvieron influencia y representaba una forma de entender la joyería mucho más próxima a las artes plásticas que al diseño. También me influyó
el trabajo de Juli González, el joyero que luego fue escultor…A.O.: Y que inició un camino nuevo en la escultura contemporánea al aplicar la técnica de la joyería de utilizar fragmentos metálicos soldados entre sí.R.P.: Efectivamente. Estas fueron mis influencias. Después dejé la Massana en el 74 y volví en el 78 cuando la profesora Ana Font me llamó para sustituirla en las clases de proyectos de la sección de joyería. Ella conocía mi trabajo, aunque yo había ido poco a sus clases por lo cual le estoy muy agradecido. A partir de entonces yo asumí ese trabajo hasta ahora… con la referencia en aquel momento
de la escuela alemana que comentábamos antes. En este La separación tradicional y jerárquica entre bellas artes, diseño y artes aplicadas está en crisis desde hace tiempo. La cultura contemporánea pone más énfasis en ls características propias de las obras realizadas que en su adscripción
a una categoría predefinida. La visión de la joyería de Ramón Puig rompe con la tradición y reclama para sus piezas toda la creatividad y la imaginación que antes era exclusiva de las bellas artes.RAMÓN PUIG CUYÀS: LA VISIÓN CONTEMPORÁNEA DE LA JOYERÍA 07© Alán Carrasco
R.P.: No, claramente. La joyería contemporánea no tiene género. En Chicago conocí un caso extraordinario de un coleccionista que le encantaba llevar puestas piezas de su colección, algunas muy grandes y llamativas, y era coronel del ejército norteamericano en activo. Esto refleja el cambio de los roles sociales de los hombres y las mujeres en el mundo contemporáneo. Un aspecto muy atractivo
de la joyería es su cercanía al cuerpo, lo cual puede ser una ventaja
en relación con las demás artes porque algunas personas que pueden sentirse lejanas al arte contemporáneo, sin embargo tienen una reacción positiva hacia las joyas. Y la prueba de ello es que muchos de los clientes de las joyerías contemporáneas no son especialistas
o coleccionistas, son, simplemente, personas sensibles que se sienten atraídas por unas determinadas piezas que quieren llevar puestas, sin más pretensiones. A.O.: Sobre la relación entre joya y cuerpo humano crees que el fenómeno del piercing se puede incluir dentro de este apartado o no tiene nada que ver.R.P.: No creo que tenga ninguna relación con la joyería. Aunque me interesan todos los fenómenos sociales en relación con la antropología,
creo que el caso de las personas que se colocan un piercing es simplemente una forma de afirmación de grupo. Además, este fenómeno, como el del tatuaje, está fuera de lugar porque los que se tatuaban eran los antiguos habitantes de los países tropicales que al ir semidesnudos, su única forma de embellecer su cuerpo era mediante el tatuaje o practicando incisiones en las orejas u otras partes del cuerpo. En nuestro entorno puede tener un contenido
de rechazo de lo convencional, aunque me parece curiosa la gente que va tatuada y con la ropa encima, con lo que es imposible lucir el tatuaje. En cualquier caso repito que no tiene nada que ver con la joyería. Sin embargo, me gusta una frase que dice que la joyería “amplifica las identidades” y quizá en ese sentido se pueda encontrar una relación.A.O.: ¿Cuál es la relación de la joyería contemporánea con la bisutería?
R.P.: La bisutería, al trabajar con materiales baratos, siempre se ha mostrado muy receptiva a los experimentos de la joyería contemporánea.
Además las fronteras entre joyería y bisutería son muy difusas porque hay joyeros en la actualidad que no son partidarios de la idea “clásica” de autoría, de pieza única, típica del artesano, y prefieren hacer piezas seriadas y además, baratas, para que mucha gente pueda acceder a ellas, con lo que las fronteras se difuminan. En cualquier caso la diferencia no es muy importante. Lo que es importante
es que esté hecha con la sensibilidad contemporánea, reflejo
de su época, de su contexto cultural y artístico. Sin embargo, hay un aspecto que sí me interesa de la diferencia entre la joyería y otras “artes aplicadas” como la cerámica, por ejemplo, que es el de que la joyería, incluso la más contemporánea, no ha perdido su función primigenia. La cerámica en Europa ya no se usa casi como vasija para beber, pero cuando alguien compra una joya lo sigue haciendo exactamente con la misma función que lo hacía en los siglos
pasados y la cargan con unos valores y con unos sentimientos que también son parecidos a los del pasado. Además esa idea de subvertir los valores a través de los materiales es también para establecer
puentes con lo antiguo y con toda esa carga emocional.A.O.: ¿La persona que lleva la joya la dota de un nuevo significado?
R.P.: El autor hace sus piezas, como el artista hace sus obras de arte, pero no controla en absoluto el significado que los compradores
le darán. En Canadá un señor que padecía un cáncer terminal compró una de mis joyas para hacerle a su ahijada un regalo de despedida y ella, abrumada por esta carga simbólica, me pidió una caja porque no se atrevía a ponérsela. En otras ocasiones he tenido la experiencia de ver piezas mías llevadas por personas desconocidas
para mí y ser capaz de reconocer la joya pero sentirme completamente ajeno a ella. Y en concreto una chica vietnamita me comentó que la razón de llevar una de mis joyas era la de ser budista
y que esa pieza reflejaba aspectos de esa religión. Sin embargo yo recordaba claramente, que para mí, cuando la hice, reflejaba mi experiencia como padre reciente e incluso se podía ver la forma de un niño en una playa. En joyería, los compradores no tienen tantos problemas para dotar de nuevos significados a las obras como en las otras artes. Además, en muchas ocasiones, con las joyas antiguas,
no había demasiado reparo en fundir el oro y separar las piedras preciosas y volver a hacer otra joya diferente con la estética del momento. Para mí es un valor muy importante cómo las perRAMÓN
PUIG CUYÀS: LA VISIÓN CONTEMPORÁNEA DE LA JOYERÍA 0908 ANTONIO ONTAÑÓN Y RAMÓN PUIG / SITUACIONESsentido, dentro del movimiento general de renovación de la joyería que se inicia después de la II Guerra Mundial, yo me considero del final de la segunda generación, con referencias a artistas alemanes como Herman Jünger y Reinhold, por ejemplo. Creo que se puede decir que la primera generación de posguerra (Manel Capdevila) hizo una gran labor de transformación formal de la joyería. Nosotros,
la segunda generación, introdujimos además unos materiales nunca utilizados hasta entonces y reivindicamos la artesanía. La generación que viene detrás de mí, la tercera, podríamos decir, se libera también de esta admiración por la artesanía y en ocasiones acepta formas de producción seriada, se mezcla con la bisutería, con el diseño y con otras formas expresivas.A.O.: ¿Cómo es el mundo de la joyería contemporánea?R.P.: Sobre todo es un mundo muy pequeño: entre los artistas, los galeristas, los coleccionistas y los clientes somos muy pocos. El otro mundo, el de la joyería convencional, nos desprecia olímpicamente,
porque es un mundo extremadamente conservador por dos razones: el material con el que trabajan es muy caro y se niegan a experimentar con el. Por otro lado sus clientes, gente muy adinerada,
también es muy conservadora y lo que le interesa básicamente es el valor del oro y las piedras preciosas. Es tan conservador que muchos talleres están desapareciendo. También es cierto que la joyería contemporánea refleja los contenidos de los grandes movimientos
sociales de los años sesenta y setenta con su afán liberador,
anticonvencional, anticapitalista y su deseo de ir hacia una sociedad
más natural. Por esto se reivindicó de una manera muy clara el trabajo artesanal aplicado a la joyería. Desde el punto de vista de los materiales no había todavía una visión ética, como la que hay ahora, que denuncia la explotación de los materiales preciosos en origen, pero sí que se empezó a plantear la pregunta del valor de los materiales, ¿por qué un material como el metacrilato no podías utilizarse para la joyería? ¿por qué todo tenía que ser de oro? A.O.: ¿En qué otros aspectos se relacionaba con su época? R.P.: Es interesante observar cómo la joyería contemporánea reflejaba
en Cataluña la oposición al franquismo ya desde los años cincuenta, como he comentado antes. Sin embargo en Europa era diferente ya que el fascismo había sido derrotado y los valores de la nueva joyería de alguna manera estaban representados en la cultura
de los nuevos gobiernos socialdemócratas alemanes. Esto hizo posible que estos valores tuvieran una buena acogida y una gran difusión. A.O.: ¿Podrías hablar de las características estéticas de tus obras?R.P.: Entre los joyeros contemporáneos se puede hacer una división
entre los que conciben sus piezas como elementos tridimensionales,
escultóricos, y los que las conciben como elementos pictóricos,
que tienden a las dos dimensiones. Yo me considero de los segundos. Además, a lo largo del tiempo mis piezas han cambiado mucho. Yo no tengo esa estabilidad formal que para muchos artistas
consiste la base de su estilo, de fácil reconocimiento. Últimamente
observo, sin embargo, que me voy acercando a esa dimensión
arquitectónica que hasta ahora no había trabajado. Es cierto, por otra parte, que en mis joyas los aspectos narrativos siempre han estado matizados por un interés fuerte en los valores estéticos de la forma. Los joyeros construimos las formas. Es un proceso más de construcción que de modelado, como hemos comentado antes con Juli González. Para mí el proceso de trabajo en el que intervienen tantos materiales y formas diversos se convierte en una metáfora de armonía que creo que siempre ha estado presente independientemente
de los temas elegidos. También es una forma de plasmar la multiplicidad de significados del contenido de la joya.A.O.: El artista cubano Carlos Garaicoa tiene una instalación denominada
“Las joyas de la corona” compuesta por una serie de broches
de plata que representan a escala edificios reales en los que se ha practicado la tortura o se ha atentado contra los derechos humanos: los barracones de Guantánamo, el estadio de Santiago de Chile, La escuela de mecánica de la armada en Argentina, el Pentágono, etc. ¿Este aspecto político de implicación por los derechos
humanos se da mucho en la joyería contemporánea? R.P.: Sí que se da esta formalización abiertamente política. Pero creo que ya en la misma elección de esta forma de joyería “pobre” contrapuesta a la tradicional, experimental, con muy poca salida comercial ya hay una toma de postura “política” si la quieres llamar así. También hay que decir que cuando yo empecé quizá estaba más presente esta inquietud que ahora, cuando la joyería contemporánea
ha encontrado un espacio propio, que es pequeño, pero es propio.A.O.: ¿Se puede decir que la joyería sigue siendo pensada para que la lleven las mujeres?Broche, 2010.Serie Arquitecturas sutiles, s/t.Alpaca. 70 x 80 x 20 mm.Broche, 2010. Serie Imago Mundi, ‘Aspice et aspicios’.Plata, plástico, papel con resina, alpaca, ónice, perla. 70 x 60 x 15 mm.
sonas se hacen propietarias de las piezas y las dotan de nuevos significados. Aunque en un principio las vean como obras de arte importantes, con mucha carga de autoría, susceptibles de estar en exposiciones, como cualquier otra obra de arte, en el momento en el que las empiezan a llevar puestas se las apropian, las dotan de nuevos significados y las separan definitivamente de su autor. Entonces cuando las veo, se que han dejado de ser mías y tengo un sentimiento muy inquietante. De alguna manera se completa la metáfora a la que hacía referencia antes de la joya como construcción
como ensamblaje de piezas. Los compradores añaden a esa construcción nuevos elementos significativos, no visuales, que contribuyen a la construcción de la obra.A.O.: Para acabar: ¿en qué estado se encuentran los canales de exhibición y venta de la joyería contemporánea? R.P.: Una característica del pequeño mundo de la joyería al que hacía referencia al principio es precisamente que a pesar de su pequeño tamaño es global en el sentido que puede interesar a una parte de la gente en lugares muy diferentes del mundo occidental. Además, la manera de aprendizaje es similar, a través de los estudios
superiores, no de los talleres de artesanos, que es el lugar de transmisión de la joyería tradicional. Sin embargo, también hay que tener en cuenta que la práctica y la difusión de la joyería contemporánea
están mucho más arraigadas en los países del norte de Europa que en los del sur.A.O.: ¿Por qué? R.P.: Habría que decir que el caso de Cataluña es un poco diferente al del resto de España, en el sentido que existe un espacio para la joyería contemporánea, pero se puede afirmar que en los países de tradición católica y con mucha influencia árabe, como el Sur de Italia y Andalucía, por ejemplo, la tradición de la joyería en oro es tan fuerte que no deja demasiado espacio para la nueva joyería. En estos lugares todavía está muy arraigada la idea de asociar el oro con la única forma de acumulación de riqueza y con la ostentación. Por ejemplo, para una cultura de tradición nómada, aunque sea muy lejana en el tiempo, el oro, que se llevaba encima, como un bien mueble, era la única manera de acumular riqueza. También es importante el aspecto de la ostentación del oro. En el norte de Europa es más difícil encontrar hombres que utilicen los ostentosos relojes con cadena y esfera de oro, tipo Rolex, que en el sur. En cualquier caso, pienso que más allá de las transformaciones formales
y de materiales y de la transmisión de nuevos valores, la joyería contemporánea está en un momento en el que lo que necesita es la “normalización” de los canales de exhibición y venta e insertarse en la sociedad como una manifestación más de la cultura contemporánea.
A.O.: ¿Qué lugar ocupa tu trabajo en relación con los principales centros de transformación de la joyería en Alemania?R.P.: Creo que en parte es cierto el tópico de que la nueva joyería alemana tiende a la geometrización (de tradición bauhasiana) y a una elevada perfección técnica. Yo no encajaba muy bien en este esquema. Antes he comentado que mi lugar ha estado al final de la segunda generación de joyeros en este largo proceso de transformación.
A los ojos de los joyeros del norte, los pocos joyeros del sur que estábamos comprometidos con esta transformación pero que tampoco encajábamos perfectamente en sus esquemas al practicar una obra más narrativa, más figurativa, más libre, nos aceptaban, pero nos veían un poco como la excepción de la regla. Tanto de su regla, como de la nuestra10 ANTONIO ONTAÑÓN Y RAMÓN PUIG / SITUACIONESBroche ‘Art Longa’, 2008. Serie Esguards (Miradas).Plata, alpaca, plástico, resina de epoxi, hueso, nácar
y perla. 75 x 50 x 8 mm.

Ramon Puig Cuyas- Crossing Points Galerie Spektrum, Munich, Germany

Ramon, please tell us the story of how you became a jeweler? Creo que he yo sido una persona con suerte, yo de joven tenia tres vocaciones, dedicarme a la ciencia, especialmente a la biologia o a la astronomia, y como mi padre era capitan de barco, yo también queria ser marino, viajar, conocer tierras exoticas. Y la tercera opción era dedicarme al arte. Es un poco largo de explicar porque descarté las dos primeras opciones, yo ya lo he contado en otras entrevistas. Menos a la música, creo que yo podia haberme dedicado a cualquier forma de expression artistica, yo no tenia ninguna idea sobre la joyería, ni me interesaba. Mi abuela era cantante de opera, un tio mio era dibujante y ilustrador, y a mi siempre me ha gustado dibujar. Tambien hacer, construir cosas con mis propias manos. Mucha curiosidad por comprender como funciona el mundo, por descubrir nuevos horizontes, por ver siempre un poco más allá de donde no llega la mirada normal. En la Escola Massana descubrí que la joyeria también podia ser una forma de expresión artistica. Descubrí los trabajos de Manel Capdevila, Herman Jünger, Friederich Becker, Pinton, , del eslovaco Anton Cepka y muchos otros, que a pesar de tener diferentes sensibilidades, tenían en común una actitud, un proyecto de redefinición y de renovación de la joyería. Para mi la joyería es una forma de arte, que como creador me permite, con mi trabajo diario con las manos y los materiales, sentir un intimo sentimiento de libertad y compartirlo con los demás. Me permite materializar una indefinible necesidad de transformar, de construir, de alumbrar, de hacer visible lo que está invisible. Proyectar y construir significa para mi, vivir la emoción de unos instantes de plenitud. La joyería ha estado siempre unido a un proyecto vital, una aventura, que con el devenir del tiempo, el transcurrir los meses, los años trabajados en la obra de creación, van transformando el mundo de incertidumbres en el que se produce la creación, en un universo de certidumbres, por bien que siempre provisionales, y que son portadoras a su vez de nuevas interrogaciones, de nuevas hipótesis que mantienen la tensión y la energía de la evolución artística. I think I've been a lucky person, I had three young vocations, devote myself to the science, especially biology or astronomy, and as my father was a captain of the merchant navy, I wanted to be a sailor, traveling, meeting exotic lands. And the third option was devote myself to art. It's a bit long to explain why I dismissed the first two options, I have already told in other interviews and lectures. Less to music, I think I could me dedicated to all forms of artistic expression; I did not have any idea about the jewelry, or interested me. My grandmother was an opera singer, an uncle of mine was a cartoonist and illustrator, and I have always liked to draw. Also do build things with my hands. Very curious to understand how the world works, to discover new horizons, to see always a little beyond where there is no normal look. In the Escola Massana I discovered that the jewelry could also be a form of artistic expression. I discovered the works of pioneers of the sixties, like Manel Capdevila, Herman Jünger, Friedrich Becker, Mario Pinton, the Slovak Anton Čepka and many others, who despite having different sensitivities, had in common an attitude, a project of redefinition and renewal the jewelry. For me jewelry is a form of art that allows me as a creator, with my daily work with my hands and materials, to feel an intimate sense of freedom and share it with others. May I realize an indefinable need to transform, to build, to enlighten, and to make visible what is invisible. Planning and building means to me, experience the thrill of a moment of fullness. Jewelry has always been attached to a vital project, an adventure, with the passing of time, the passing months and years of work in the artwork of creation, are transforming the world of uncertainty where creation occurs in a world of certainties, however well always provisional, and are in turn carry new questions, new hypotheses that keep the tension and energy of artistic evolution. And why did you decide to teach? Desde el principio, yo pensaba que mis experiencias podian interesar y ser compartidas con otras personas, pero nunca imagine que a los cuatro años de dejar la escuela como estudiante, la escuela me invitaría a hacerme responsable de las clases de proyectos y creación del Departamento de Joyería. From the beginning, I thought that my experiences and knowledge could be shared with other people, but I never imagined that four years of leaving the school as a student, the school invited me to take responsibility for the classes of projects and creation of the Department of Jewelry. What do you think is the most important thing for you as a teacher to transmit to the student? Para mi lo mas importante es que recuperen la libertad y la confianza en sus capacidades creativas que tenian cuando eran niños. Que busquen las ideas en su memoria, en sus experiencias. Que encuentren su propio language. Que se comprometan con su trabajo, que sean perseverantes. Que el alumno sea independiente en sus decisions sobre el qué y como quiere trabajar. For me the most important thing is that they recover the freedom and confidence in their creative abilities that they had when they were children. Seeking ideas in their memory, in their experiences. Encourage them to find their own personal language and to be honest and critical with your work. Get engaged with their work, and to be persistent and patient. That the student will be independent in its decisions about what and how want to work. In your role as a professor in the Department of Jewelry at the Massana School in Barcelona, Spain can you give us an example of a problem you like to give the students and what you hope to accomplish with it? Creo que los problemas de los profesores con respeto a sus estudiantes son universales. Creo que una de las cosas que yo considero importante, es que ellos traten de hacerse preguntas, sin preguntas solo hay buena artesania, pero no habria arte. Por ejemplo, que se pregunten qué és la joyería?, cuales son sus funciónes? Cual puede ser su rol como joyeros artistas? El primer trabajo que yo les propongo cuando empiezan las clases conmigo es que hagan una antijoya. Esto les obliga a pensar y reflexionar acerca de lo que sí és una joya, y descubren lo dificil que és definir las cosas. I think the problems of the teachers regarding their students are universal. I think one of the things that I consider important, is that they try to make yourself questions. With no questions just have good craftsmanship, but there would be no art. For example, to inquire that meaning of jewelry?, What are his duties? What may be their role as artists jewelers? The first work that I propose when they start my classes is to make an anti- jewel. This force them to think and reflect on what we do is a jewel, and discover how difficult it is to define things. You took a video of your show at Spectrum and it looked like there were several groupings of work from the past. Was this a kind of retrospective? Si, hay grupos de obras de diferentes años, acompañados por algunos dibujos, es como una mirada por encima. Creo que las obras deben explicarse por ellas mismas, pero con esta exposición, que he presentado en Legnica, (Polonia,) en Santiago de Chile, en Barcelona, y ahora en Munich, yo trato de transmitir un poco como las mismas ideas, las mismas obsesiones, pueden ir cambiando en un proceso sin rupturas ni cambios bruscos. Creo que de esta manera se comprende mejor el proceso creativo que para mi es lo mas importante, mas que los resultados. Yes, there are groups of works from different years, accompanied by some drawings; it's like a panoramic view. I think that the works should be explained by themselves, but with this exhibition, that I have presented in Legnica (Poland), in Santiago de Chile, in Barcelona, and now in Munich, I try to transmit how the same ideas, the same obsessions, may change in a process without breaks or abrupt changes. I think this way is better for understood the creative process that for me is the most important, perhaps more than the results. In the past your work has been filled with color but your newest work is made up only of black lines. What are you thinking about this new direction? Son un desafio personal. Cuando algo se vuelve cotidiano y controlable, me gusta cambiar, buscarme nuevos problemas, intento no caer en un manierismo. La mayoria de las veces yo he trabajado mis joyas con un concepto mas bien bidimensional. Con una cierta tendencia a utilizar elementos narrativos y con referencias figurativas. Algunos criticos hacen una lectura del uso del color en mi obra por su conexión con la cultura Mediterranea, la luz y la claridad del paisaje, también con el arte, a veces hay conexiones con las culturas primitivas y arcaicas del Mediterraneo. Pero tambien es verdad que frente a esta vision casi dionysica de la vida, existe también una vision más dramatica, el drama de los griegos, las pinturas negras de Goya o de Antonio Saura, las obras de Antoni Tàpies, que son como manifestaciones de nuestro lado oscuro. Estos últimos trabajos son como un ejercicio de reducción, de eliminación, de abstracción. Hay un nuevo elemento que juega un rol muy importante en la composición, el espacio. Mis obras adquieren un character más tridimensional, mas escultorico con la intención de reforzar su character de objeto independiente. Solo con los minimos recursos expresivos de la linea y el plano intento hacer unas obras que se conecten con lo universal, crear y hacer visible una imagen que sea como un espejo del orden cosmic. They are a personal challenge. When something becomes routine and controllable, I like to change, fetch new problems, try not to fall into a mannerism. Most of the time I worked my jewelry rather two-dimensional concept. With a tendency to use narrative elements and figurative references. Some critics make a reading of the use of color in my work because of its connection with the Mediterranean culture, light and clarity of the landscape, also with art, sometimes there are connections with primitive and archaic cultures of the Mediterranean. But it is also true that face this vision almost Dionysian of life, there also exists a more dramatic vision, the drama of the Greeks, the black paintings of Goya, Antonio Saura or Tàpies' works, which are manifestations of our dark side. The latter work is an exercise in reduction, elimination and abstraction. There is a new element that plays an important role in the composition, the space. My works take on a more three-dimensional character, more sculptural with the intention to strengthen their character of separate object. Only with minimal expressive resources of the line and the plane works that attempt to connect to the universal, create and make visible an image that is like a mirror of the cosmic order. When school is not in session what do you do? Any special place you like to go? Navegar en el mar con mi velero, que construí yo mismo, adentrarme y perder de vista la tierra empujado por el viento. Vivir en otra dimension del tiempo y del espacio, donde los problemas cotidianos y las cosas que consideramos importantes pierden todo susentido. Este es mi otro camino para sentir la vida, para sentirse vivo. Navigate in the sea with my sailboat, built by myself 25 years ago, delve and lose sight of land pushed by the wind. Living in another dimension of time and space, where everyday problems and things that we consider important, lose all its sense. This is my other way to feel the life, to feel alive. What are you reading that you can recommend? “La creatividad literaria”, de José Antonio Marina y Álvaro Pombo. Trata sobre los aspectos misteriosos de la creación y si se pueden descubrir los mecanismos de ese misterio. Sobre la creacion a través de la inspiración o a partir del trabajo y el esfuerzo persistente. Otra tesis del libro es que apartir de ciertas predisposiciones naturales, uno puede aprender a ser creativo. "La creatividad literaria” (Literary creativity) by José Antonio Marina and Alvaro Pombo. It's an interesting essay about the mysterious aspects of creation and if we can discover the mechanisms of that mystery. Wondering if the creation comes through inspiration, or from work and persistent effort. Another thesis of the book is that based on some natural predispositions, one can learn to be creative. What are you seeing that is important? Todavia no estoy seguro si hay que encontrar algo “importante”. Yo creo que lo principal, és justamente no querer hacer cosas importantes, ni ser importante. Simplemente tartar de ser uno mismo, tartar de encontrar un equilibrio, con la gente, y sobre todo con la naturaleza, vivir en harmonia con ella. Saber vivir justo el momento, desear pocas cosas. Still I am not sure if we have to find something "important". I think the main thing does just not want to do important things, not be or feel important. Just try to be yourself, try to find a balance with the people, and especially with nature, live in harmony with it. Knowing how to live right now, wish few things.

La joyería y el lenguaje de los materiales

Para empezar, me gustaría citar a Paul Valéry, en su obra “Eupalinos o el Arquitecto”, Sócrates explica a Fredo un hallazgo. “…caminaba yo por la orilla misma, seguía una playa sin fin…y no había cosa en derredor mío que no fuera sencilla y pura: el cielo, la arena y el agua”. Le cuenta como encontró un objeto en la frontera entre Neptuno y la Tierra, donde los restos de abandonos enigmáticos, algas y maderos “…y donde todas las cosas que la Fortuna entrega a las furias litorales, y al litigio sin fin entre la onda y la ribera, allí son llevadas y deportadas; puestas en alto, arrastradas por lo bajo: cobradas, perdidas, recobradas, según la hora y el día…”. Fredo pregunta a Sócrates, “De que tamaño era ese objeto?”, y le contesta “ Grande, poco más o menos, como mi puño”, “Y de qué materia?.- De igual materia que su forma: materia de dudas”. Después explica que continuó interrogándose si era un fragmento de osamenta de pez, o de un marfil tallado por un artesano, si trabajo de la naturaleza o de mano del hombre, si trabajo de los siglos o del tiempo inmediato de un artista. Finalmente lo tiro al mar, pero las preguntas quedaron en su espíritu. La joyería, toda la joyería, desde la antigüedad hasta nuestros días, es un fenómeno cultural que hunde sus raíces en el mundo de lo simbólico mas que en lo utilitario o funcional. Pero sería absolutamente imposible de entender el mundo de la joyería y del ornamento corporal sin el soporte de la materia. La joyería es un arte en el que la materia tiene una importancia capital, hablar de joyería, es hablar del lenguaje de los materiales. Todos sabemos que el ornamento corporal, la joya, es un objeto extra-ordinario, fuera de lo cotidiano, y por lo tanto el hombre siempre ha buscado materiales extraordinarios, exóticos, o con propiedades especiales para construir sus ornamentos. Características que hacen fácil que estos materiales se carguen de propiedades mágicas o simbólicas. La inmensa capacidad de inventar y de crear símbolos es la característica fundamental que distingue a los humanos del resto de las especies animales que conviven con nosotros. La joyería ha sido una de las primeras manifestaciones de esta capacidad del ser humano para crear símbolos. Por medio de los valores simbólicos de la joya y sus materiales, el hombre creó unos sistemas culturales para transmitir información sobre sus señas de identidad, filiación y estatus. Pero no debemos olvidar que la joya, el ornamento corporal, también era un código simbólico que le permitía representarse y comunicarse con el mundo invisible y trascendental. Era una forma de definir su identidad espiritual que le ayudaba a comprender, a penetrar e intentar controlar las fuerzas de su universo mágico, donde se mezclaban el pensamiento poético, místico y científico, o dicho de otra manera, la intuición, la fe y la razón. En oposición al collar hecho de huesos y dientes que definía la identidad del hombre de neandertal, el hombre contemporáneo tiene una página web y un portal en el ciberespacio. Si como dijo Yvette Taborin, el ornamento amplifica el cuerpo, hoy día no es el ornamento y sus materiales tradicionales sino la tecnología y la informática las que amplifican nuestro cuerpo y nuestra identidad hasta la disolución. En las ultimas décadas la joyería artística ha conquistado espacios dentro del mundo del arte contemporáneo, pero al mismo tiempo sigue manteniendo una relación con la tradición de un oficio que hace que el dialogo con los materiales siga siendo un hecho fundamental y característico de este medio. La gran transformación formal y conceptual de la joyería se produce en la segunda mitad del siglo XX, impulsado por los cambios de democratización social, y por las influencias del inconformismo y de la contracultura de algunos movimientos juveniles, como los Beatniks o los Hippies, que propugnaban la artesanía y el trabajo manual como una alternativa al modelo capitalista y consumista. Estas influencias se materializan de muchas maneras, pero una de las más evidentes es la substitución de los materiales convencionales por otros más “democráticos”. En lugar de usar materiales sofisticados, escasos y raros, y por lo tanto de gran valor, se utilizan materiales comunes sin valor intrínseco, como los plásticos, emblemáticos de la cultura Pop-art, el hierro, el papel, la madera y cualquier material que sirviera para expresar el rechazo a las convenciones y el deseo de instaurar una naturalidad sin constricciones. De transformar estos materiales en una metáfora de su tiempo. Y revalorizando al mismo tiempo el contacto con la materia, recuperando el placer de dejarse llevar por ese impulso humano y ancestral de transformar la materia con sus propias manos, de tocarla, de acariciarla. De esta manera la joya ya no es un símbolo de poder, sino mas bien una interrogación. La materia y no solo la forma, se convierte en un lugar de confrontación de las ideas. Igual que el científico interroga la materia como medio para conocer i desvelar el sentido y el orden del cosmos, el nuevo artista-artesano, interroga la materia para desvelar el sentido y encontrar el orden en su propio mundo poético. Creo que el joyero, el artista contemporáneo, sin perder el sentido identitario de su disciplina y del oficio se ha abierto a nuevos horizontes. Lejos de las formas estereotipadas y de las formas decorativas gratuitas, ahora trabaja con una materia que no es oro ni piedras preciosas, y me gustaría pensar que tampoco trabaja los plásticos o las resinas, sino que usa una materia que esta hecha de dudas y de deseos, de curiosidad y de incertidumbre, de reiteraciones y de innovaciones inesperadas. Una materia que le ha de servir para desvelar una forma única y precisa, donde el valor, la preciosidad, viene dado por el encaje preciso entre la forma, la técnica i la función simbólica y expresiva.

Joyería y el lenguaje de los materiales

Para empezar, me gustaría citar a Paul Valéry, en su obra “Eupalinos o el Arquitecto”, Sócrates explica a Fredo un hallazgo. “…caminaba yo por la orilla misma, seguía una playa sin fin…y no había cosa en derredor mío que no fuera sencilla y pura: el cielo, la arena y el agua”. Le cuenta como encontró un objeto en la frontera entre Neptuno y la Tierra, donde los restos de abandonos enigmáticos, algas y maderos “…y donde todas las cosas que la Fortuna entrega a las furias litorales, y al litigio sin fin entre la onda y la ribera, allí son llevadas y deportadas; puestas en alto, arrastradas por lo bajo: cobradas, perdidas, recobradas, según la hora y el día…”. Fredo pregunta a Sócrates, “De que tamaño era ese objeto?”, y le contesta “ Grande, poco más o menos, como mi puño”, “Y de qué materia?.- De igual materia que su forma: materia de dudas”. Después explica que continuó interrogándose si era un fragmento de osamenta de pez, o de un marfil tallado por un artesano, si trabajo de la naturaleza o de mano del hombre, si trabajo de los siglos o del tiempo inmediato de un artista. Finalmente lo tiro al mar, pero las preguntas quedaron en su espíritu. La joyería, toda la joyería, desde la antigüedad hasta nuestros días, es un fenómeno cultural que hunde sus raíces en el mundo de lo simbólico mas que en lo utilitario o funcional. Pero sería absolutamente imposible de entender el mundo de la joyería y del ornamento corporal sin el soporte de la materia. La joyería es un arte en el que la materia tiene una importancia capital, hablar de joyería, es hablar del lenguaje de los materiales. Todos sabemos que el ornamento corporal, la joya, es un objeto extra-ordinario, fuera de lo cotidiano, y por lo tanto el hombre siempre ha buscado materiales extraordinarios, exóticos, o con propiedades especiales para construir sus ornamentos. Características que hacen fácil que estos materiales se carguen de propiedades mágicas o simbólicas. La inmensa capacidad de inventar y de crear símbolos es la característica fundamental que distingue a los humanos del resto de las especies animales que conviven con nosotros. La joyería ha sido una de las primeras manifestaciones de esta capacidad del ser humano para crear símbolos. Por medio de los valores simbólicos de la joya y sus materiales, el hombre creó unos sistemas culturales para transmitir información sobre sus señas de identidad, filiación y estatus. Pero no debemos olvidar que la joya, el ornamento corporal, también era un código simbólico que le permitía representarse y comunicarse con el mundo invisible y trascendental. Era una forma de definir su identidad espiritual que le ayudaba a comprender, a penetrar e intentar controlar las fuerzas de su universo mágico, donde se mezclaban el pensamiento poético, místico y científico, o dicho de otra manera, la intuición, la fe y la razón. En oposición al collar hecho de huesos y dientes que definía la identidad del hombre de neandertal, el hombre contemporáneo tiene una página web y un portal en el ciberespacio. Si como dijo Yvette Taborin, el ornamento amplifica el cuerpo, hoy día no es el ornamento y sus materiales tradicionales sino la tecnología y la informática las que amplifican nuestro cuerpo y nuestra identidad hasta la disolución. En las ultimas décadas la joyería artística ha conquistado espacios dentro del mundo del arte contemporáneo, pero al mismo tiempo sigue manteniendo una relación con la tradición de un oficio que hace que el dialogo con los materiales siga siendo un hecho fundamental y característico de este medio. La gran transformación formal y conceptual de la joyería se produce en la segunda mitad del siglo XX, impulsado por los cambios de democratización social, y por las influencias del inconformismo y de la contracultura de algunos movimientos juveniles, como los Beatniks o los Hippies, que propugnaban la artesanía y el trabajo manual como una alternativa al modelo capitalista y consumista. Estas influencias se materializan de muchas maneras, pero una de las más evidentes es la substitución de los materiales convencionales por otros más “democráticos”. En lugar de usar materiales sofisticados, escasos y raros, y por lo tanto de gran valor, se utilizan materiales comunes sin valor intrínseco, como los plásticos, emblemáticos de la cultura Pop-art, el hierro, el papel, la madera y cualquier material que sirviera para expresar el rechazo a las convenciones y el deseo de instaurar una naturalidad sin constricciones. De transformar estos materiales en una metáfora de su tiempo. Y revalorizando al mismo tiempo el contacto con la materia, recuperando el placer de dejarse llevar por ese impulso humano y ancestral de transformar la materia con sus propias manos, de tocarla, de acariciarla. De esta manera la joya ya no es un símbolo de poder, sino mas bien una interrogación. La materia y no solo la forma, se convierte en un lugar de confrontación de las ideas. Igual que el científico interroga la materia como medio para conocer i desvelar el sentido y el orden del cosmos, el nuevo artista-artesano, interroga la materia para desvelar el sentido y encontrar el orden en su propio mundo poético. Creo que el joyero, el artista contemporáneo, sin perder el sentido identitario de su disciplina y del oficio se ha abierto a nuevos horizontes. Lejos de las formas estereotipadas y de las formas decorativas gratuitas, ahora trabaja con una materia que no es oro ni piedras preciosas, y me gustaría pensar que tampoco trabaja los plásticos o las resinas, sino que usa una materia que esta hecha de dudas y de deseos, de curiosidad y de incertidumbre, de reiteraciones y de innovaciones inesperadas. Una materia que le ha de servir para desvelar una forma única y precisa, donde el valor, la preciosidad, viene dado por el encaje preciso entre la forma, la técnica i la función simbólica y expresiva.

miércoles, 24 de febrero de 2010

miércoles, 30 de diciembre de 2009

miércoles, 18 de noviembre de 2009