Creating is an adventure.

Ramon Puig Cuyàs.

 The activity of creating is an adventure for me, which takes me away from the everyday, casting me beyond horizons of known and assured things. It doesn’t matter what medium we employ, whether it be jewellery or painting, music or writing, to create is to invent oneself, to create oneself.

   Creating is my way of satisfying an indefinable need to transform, construct, illuminate, to turn the invisible into the visible and to be able to do so with my own hands. The act of creation is as though a journey to conquer an innermost sense of freedom, and to satisfy a deep desire to feel myself alive. I am impelled to commence each new work by the need to respond to a challenge, that of turning a pre-feeling into a real feeling. Planning and constructing is to live the experience of some moments of fullness and emotion.

  Each piece of jewellery emerges after a long process wrought from repetition, rehearsal, elimination, selection and decision, as well as an evolution of feelings, emotions, certainties and doubts. A process which is an attempt to reveal, materialise something indefinable, as though an internal design, born of intuition, in order to turn it into an expression of consciousness.

  Although I start each new work without any plan or prior schema, my most recent finished piece often stands as a model for me to use and so realise what I must look for next. Whilst drawing and making exploratory sketches, I attempt to go into a state of concentration, of active attention, in order to listen, feel or provoke an internal pre-vision. I search for a mental image which serves as a guide, though nothing is defined or specific. The drawings frequently serve to explore new paths and variations in composition, although it is when working directly with the materials that the dialogue becomes more intense.

   Both experience and technical mastery facilitate a handling of materials, tools and hands with apparent ease, enabling their expression. I endeavour deliberately to leave in those traces and marks made through the working process, as they are the records of this dialogue. Working with my hands awakens in me a sense of humanity, it makes me more perceptive and sharpens the senses. Thought and clarity are almost always arrived at through action, they come with that dialogue between materials and shapes. Making is for me a way of thinking and I try to ensure that the result of this making be a testament, materialised through a piece of jewellery charged with the will to express.

  I like to improvise when in contact with the materials, exploring their possibilities and stretching their limits. Working with a material allows me to assess results immediately and in a direct way. I attempt to make the process of creation one of flow rather than fight, such that solutions appear naturally, as though inevitable. However, at times the best results appear only after hard and persistent effort.

  Formally, I need to structure my pieces on the basis of a strict compositional syntax which either comes close to, or gives the impression of polyphony. I seek a sound, or harmonies amongst the straight and curved lines, in the variations of planes and in the contrasts amid colours and materials. I try to create an order whereby the chaos of ideas and feelings reign.

  It is possibly for this reason that most of my works are structured compositionally as separate elements, as assemblies, thereby creating virtual spaces rather than filled volume. I ensure that the object as a whole isn’t seen, not completely perceived at first sight, instead, the gaze wanders and runs around a subtle network of visual itineraries, exploring and discovering harmonious and contrasting relationships amongst the various parts of the object, making a necessary tempo for the gaze to linger on, staying in every corner of the overall composition. In this way the viewers gaze isn’t passive, rather it is participative.

  For me, this sought compositional harmony is like a metaphor for the desire, the need, to reconstruct the harmony and equilibrium between man and nature. Making a piece of jewellery is to illuminate a microcosm that must take part in the balance and harmony of the macrocosm.

  Colour has been a fundamental element in my work for many years, both part of my nature and my cultural and everyday surroundings. Colour gives me the opportunity to accentuate the expressive qualities of the composition.

  Yet not all is harmony and balance, as tension and conflict are fundamental too for the act of creation to be fertile. Tensions and a conflict of feelings were the framework around which I worked to make the series Imago mundi and Utopos, between 2007 and 2010. Something that was there already suddenly emerged unexpectedly, giving a fresh thrust to creative strengths. Colour disappeared, black and white, with some grey tinges were then sufficient to stir up a much denser atmosphere in comparison with previous works. Black and white, shapes and materials, microcosms and macrocosms, all these established a suggestive dialectic, laden with meaning.

   Everything, whether lines, planes, volume, textures, materials, colours, the technique employed, the very composition, all these elements become metaphor. Nothing should be gratuitous, everything has to be filled with meaning and the best method I know of to achieve this is through visual metaphor. The metaphor is a carrier for ideas, while I also like it because it does so in an ambiguous and imprecise way. It suggests symmetries and contrasts, it sets up subtle analogies, it contains implicit potential. The metaphor charges the piece of jewellery with various meanings, although it cannot, nor would want to, explain these meanings conceptually. It is precisely because of this lack of definition that the metaphor helps me to materialise in images all that pertains to the world of the non-definable, which tends to be much more interesting than the rational and definable world.

  Finally then, my work’s central aim is for the object produced by my hands to be more than just a form of expression, rather that it be a way of sharing with others the experience lived through my working process, of all that I’ve found, discovered and made visible. And also to suggest to the wearer that the simple gesture of putting on a piece of jewellery can in itself also become a metaphor.

Ramon Puig Cuyàs.

Translation: Anne Michie

• Jorge Rojas

Ramón Puig Cuyás. Joyas matemáticas.

Hace unas semanas me acerqué a la inauguración de la exposición de Ramón Puig Cuyás en la galería  Hilde Leiss de Hamburgo, donde tuve la suerte de charlar con uno de los grandes joyeros contemporáneos españoles y uno de los más reconocidos internacionalmente, con obra en museos como el Victoria & Albert  de Londres. Aprovechando que vivo en Hamburgo no dudé en ponerme en contacto con él y  compartir algunos minutos de su tiempo, realmente me  parecieron pocos, pues su capacidad comunicativa no sólo se aprecia en sus piezas sino también en su conversación.

Las piezas de Puig Cuyás son mucho más impresionantes al tenerlas en la mano, donde puedes sentir su propuesta tridimensional con mayor rotundidad, que  lo cualquier foto puede expresar, es uno de los grandes innovadores de la joya de autor tanto en el concepto como en el uso de materiales alternativos. Ramón dibuja con metal y soplete, dibuja fórmulas matemáticas en el aire.
Sus  trabajos más recientes han recuperado el color, que funde con metal negro en construcciones narrativas. En sus piezas podemos apreciar la vuelta del al joyero-pintor.

El catalán Puig Cuyás es maestro en dos sentidos, maestro orfebre pues realiza  obras maestras y maestro docente en la escuela Massana donde empezó como alumno a final de los años 60 para convertirse unos años mas tarde en profesor  y con el tiempo en uno de los pilares de la escuela, influyendo de manera decisiva en las últimas generaciones de joyeros en los cuales  ha dejado su impronta,  su  influencia es visible en muchos talleres y galerías de joyas. Lamentablemente la  escuela Massana  ya no contará con sus clases a final de este curso  cuando se jubila privando a futuras promociones de joyeros de sus conocimientos, pero no de su obra, pues seguirá creando sus joyas artísticas en su estudio de Vilanova i la Geltrú desde donde puede sentir el mar mediterráneo que tanto influye su trabajo.

Para entender la fascinación que produce su obra nos ayudará saber  que el pasado año la fundación Loewe adquirió 27 de sus  joyas, reconociendo así, su excepcional e innovadora calidad artesanal al incluirlo en #LOEWEprojects.

Os dejo parte de nuestra conversación que espero os resulta tan interesante como  me resultó a mí.

Ramon Puig Cuyas. Broche.

Jorge Rojas – Además de nuestra conexión sentimental con Alemania compartimos la pasión por la joyería y por la docencia; ese privilegio de poder comunicar algunos de nuestros conocimientos.

Como influye en el artista artesano el Ramón docente? Y que  sinergias fluyen entre ti y tus alumnos?

Ramón Puig Cuyás – Es un hecho indiscutible que dar clases, y especialmente la materia de proyectos y creación le obliga a uno a estar constantemente atento, a reflexionar, a leer, a formarse permanentemente, a no solo ver, sino también a interpretar lo que se ve. Yo nunca me he sentido como profesor, sino ante todo joyero en activo, un creador que comparte sus procesos creativos, experiencias y conocimientos del medio que le son propios con sus alumnos. Enseñar en una buena escuela, con buenos estudiantes como los que yo he tenido la suerte de tener siempre, me ha permitido, no solo experimentar con mi trabajo en solitario en el estudio, sino también enriquecerme compartiendo las experiencias creativas de todos y cada uno de ellos, participar de alguna manera en sus creaciones. Hablando, discutiendo, criticando con ellos he aprendido muchísimo, mi obra no habría crecido y madurado de la misma manera si no hubiera sentido continuamente la responsabilidad que como maestro tenia frente a mis discípulos.

Ramon Puig Cuyas.Broche.

Jorge Rojas – Que les comentas a tus alumnos cuando están terminando su formación en la escuela Massana y tienen que  empezar a transformar sus ideas en una forma de vida, que les recomiendas para encontrar su espacio y conseguir convertir su imaginación en ingresos económicos?

Ramón Puig Cuyás –Constantemente les recuerdo que no deben ilustrar, representar o expresar sus sentimientos (Que es un gran error y un gran malentendido), si no que sus obras deben ser sus sentimientos, y deben provocar, hacer sentir en el espectador sus propios sentimientos, no como un acto intelectual, si no como un acto de comprensión.

Que no hay creación sin una actitud de riesgo, y sin un profundo deseo de conocimiento, de satisfacer la curiosidad. No tener miedo a equivocarse.

Que lo importante no es explicar, expresar, sino interrogarse a uno mismo. Que la creación empieza donde las palabras acaban. Que las obras no deben explicar nada, sino que nos deben acercar a encontrar respuestas para nosotros mismos, y que al mismo tiempo nos propongan nuevos interrogantes.

Que la obra debe contener una tensión interna, si no, quedará muerta. Que esta tensión debe provenir de la dialéctica entre conceptos contrapuestos, no hay luz sin oscuridad, no hay vida sin muerte. Que no dejen la obra absolutamente conclusa, acabada, sino que esté llena de potencialidades, para que el espectador pueda concluirla, que la obra debe permitir múltiples lecturas, debe sugerir múltiples interpretaciones, que cada nueva mirada descubra algo nuevo.

Que para crear debe recurrir a su mundo íntimo, a sus experiencias y recuerdos, a sus sentimientos, pero que debe lograr que su obra trascienda de lo privado, (que no le interesa a nadie su vida) a lo universal, a lo arquetípico, a lo común que compartimos todos los seres humanos. Que hay que afrontar el acto de creación como un juego, con la actitud no racional de los niños. Que hay que probar y volver a probar, combinar y recombinar las formas y los materiales con los que trabajamos, sin esperar nada concreto, pero con una actitud de búsqueda. Que para iniciar la creación es necesario tener una hipótesis, pero que no importa si no sabemos definirla objetivamente y racionalmente, aparecerá con el trabajo con las manos, Que quiero que piensen con las manos.

Ramon Puig Cuyas.Broche.

Jorge Rojas – Las exposiciones de joyería artística se han multiplicado en los últimos años, desde todos los rincones del planeta surgen obras magníficas, encuentros, ferias, galerías que presentan a nuevos y consagrados autores. ¿Qué distingue a una verdadera obra de joya artística de un simple objeto ingenioso?

Ramón Puig Cuyás – Las auténticas obras de joyería artísticas suelen ser memorables, es decir, que no las olvidamos después de vistas. Suelen causar en nosotros un poderoso efecto, una emoción, y a menudo nos hacen sentir cómplices con el creador. Nos inquietan y nos interpelan, no nos dejan indiferentes ante ellas. Una autentica obra de creación debe aportar algo de nuevo, algo original, pero como yo siempre digo, original viene de origen, del principio, es decir, será una novedad  que hunde sus raíces en la memoria, en la historia, para transformarla y darnos un comentario personal y único de su creador. Una autentica creación siempre la sentiremos como un fragmento de la intima biografía de su autor, y al mismo tiempo la sentiremos como conectada a lo universal. Son estimulantes.

Los simples objetos ingeniosos, como tú dices, y otros de su especie, a veces pueden ser divertidos, bonitos, pero no siempre, y seguramente los olvidamos pronto. No dejan huella en nuestro espíritu, son como consumibles que se desechan al instante siguiente. Por lo general nos dejan una molesta y aburrida sensación de ya visto. La mayoría de las veces nos inundan de banalidad y mediocridad. Yo los incluyo en la categoría de objetos que polucionan nuestro entorno visual, y deberían ser tratados como contaminantes peligrosos.

Jorge Rojas – Dentro de la  joyería contemporánea existen desde hace décadas diferentes corrientes y definiciones, algunos de ellos utilizados de forma contradictoria. Aunque son solamente etiquetas me gustaría saber cuál es para ti, el significado de estos términos, ¿nos puedes dar algunas claves para hablar con cierta consistencia de joya artística ,joya de autor , joya contemporánea…?

Ramón Puig Cuyás – La joyería artística es aquella que tiene voluntad para tratar con los problemas universales del arte y de la creación, que comparte los mismos valores que el arte.

Que refleja una actitud inconformista, de desafío, de trasgresión, y que es consecuente con un compromiso con las ideas sociales, políticas y culturales de su autor en el contexto de su época. Por lo general, trata de romper con los limites, los del autor, pero también con las convenciones sociales, ampliando los horizontes de la propia joyería. Generalmente trata de encontrar un espacio dentro de las artes contemporáneas pero sin renunciar a la función tradicional de la joya. El joyero artista no separa el proyecto de la realización. La idea, el proyecto el proceso de diseño y la construcción están unidos bajo las manos de una sola persona, esta unidad entre la idea y la materialización da como resultado una pieza única. El objeto que sale de sus manos es una forma de compartir con los demás una experiencia sensible.

La joya de diseño es el de la producción seriada. Es una joyería que intenta conciliar los presupuestos del diseño racional y del funcionalismo con el encuentro entre el oficio y la producción seriada.

El método de la razón es su principal herramienta de trabajo. Aspira a la regla y al sistema. El concepto dirige el proceso creativo. Con algunas excepciones, presenta una división del trabajo, hay una jerarquía, a veces se habla de “colaboración”, entre quién trabaja la idea y la concepción con los artesanos o obreros especializados que finalmente van a ejecutar las joyas. Está más vinculada a la moda y uno de sus objetivos para ser eficaz en el mercado es crear una imagen o identidad de marca. Estas joyas son más producto del pensamiento que de los sentimientos. 

La joya de autor, es un término confuso que solo nos indica la voluntad de autoría, pero no nos da información de si es un producto artístico, de artesanía, de diseño o de joyería convencional.

La joyería contemporánea es la denominación que parece más aceptada internacionalmente por el mundo académico y profesional, y es aquella que es sensible y comparte los presupuestos artísticos y culturales de su tiempo, de su época. Muchas veces se usa como un sinónimo de joyería artística. La joyería de diseño, bien entendida y de calidad formal, también es joyería contemporánea.

La que yo denomino joyería convencional, es la que podemos encontrar en la mayoría de ferias y comercios del ramo, y por lo general quedan fuera de la contemporaneidad. En realidad es una joyería anacrónica formalmente hablando, pues sus criterios y valores son más propios del siglo XIX que del XXI. El valor de los materiales, especialmente el oro y las piedras preciosas están muy por encima de los valores de nuestra época. En general refleja un mundo muy conservador y vacío de propuestas formales renovadoras.

Jorge Rojas – Para terminar y sabiendo la importancia que das al proceso artesano, tengo curiosidad de conocer tu opinión sobre las joyas realizadas por medio de programas de diseño 3D e impresoras?

En mi opinión, no son más que nuevas y sugerentes herramientas, pero no por usar estas nuevas tecnologías vamos a ser más modernos y contemporáneos. En realidad la mayoría de las veces se están usando para producir joyería convencional, es decir, anacrónica. El peligro es que muchas gente se deja atrapar por los retos técnicos, y mientras tanto se olvida de la poesía que es lo realmente importante. Pienso que en buenas manos, es decir, manos capaces de pensar, pueden abrir  nuevos campos a la creación, pero de momento he visto pocos resultados que tensionen y cuestionen los límites de estas tecnologías para crear obras interesantes con propuestas personales e innovadoras.